Entrevistamos a 7XINS

Tiempo estimado de lectura: 9 minutos

Con One Knob Per Function, 7XINS no solo documenta un set en vivo: captura un momento de transición, liberación y pura expresión sonora. Lanzado en Severn Electronics, el LP está compilado a partir de grabaciones de clubes y moldeado en un álbum coherente. Se destaca de su antigua configuración en vivo, mientras que al mismo tiempo hace una declaración sobre una nueva fase creativa. En esta entrevista, hablamos con él sobre su enfoque del control mínimo con el máximo impacto, su agresiva filosofía sonora y por qué el techno, incluso en su forma más caótica, sigue siendo profundamente humano.

One Knob Per Function es crudo e inmersivo. ¿Qué significa el título para ti personal y técnicamente?

El concepto de este LP es muy diferente al de mi trabajo de estudio (mucho del cual todavía se lanzará en un futuro cercano). Mi trabajo generalmente se basa conceptualmente en la política y otras áreas de interés y fascinaciones que tengo, como libros, historia y geopolítica, por lo que es un pequeño cambio de eso. Traté de pensar en formas de entrelazarlo, pero no sentí que fuera correcto hacerlo porque, si bien siento que la música de baile es altamente política en su núcleo dada su historia y fundamentos, también ha sido un lugar de escape de las duras realidades del mundo real, un lugar de alegría y libertad, así que realmente solo quería centrarme en esa energía para este.

Como muchos sabrán, “Un botón por función” se refiere al hardware de audio donde cada botón solo tiene un propósito y no depende de las capas o el buceo del menú para cambiar su función, esto es algo que prefiero usar mucho, especialmente jugando en vivo, siento que ya hay mucho que hacer sin sumergirse en los menús. Para mí, cuanto más fácil y simple lo mantengas, más divertido será y, al final del día, eso es lo que la gente quiere ver cuando te ven jugar en vivo, quieren verte divertirte, cuando te diviertes, la actuación se traduce y trasciende, lo que hace que sea más fácil comunicarse con una multitud.

No estoy seguro de si alguien puede notarlos, pero hay algunas muestras de Blade Runner, (una de mis películas favoritas) en el set en vivo, algunos paisajes sonoros y algunas voces moduladas. Usé algunas citas de Blade Runner en el texto dentro de la obra de arte del casete, siento que el nombre apunta hacia las máquinas, y los conjuntos en vivo son máquinas con un elemento humano de control, supongo que esto terminó como un pequeño concepto entrelazado dentro del trabajo que no estaba planeado en absoluto.

Como alguien profundamente arraigado en la actuación en vivo, ¿qué desafíos o libertades vienen de trabajar solo con hardware?

Las limitaciones son tu libertad, por extraño que suene. Si tienes demasiadas opciones y posibilidades, puede llevar a un ciclo interminable de querer cambiar y mover cosas, esto esencialmente puede llevar a una gran pérdida de tiempo y trabajo cuando al final el resultado no será muy diferente de un método a otro. Así que, para mí, imponerte restricciones a ti mismo realmente puede hacerte concentrarte y llevar un método a sus límites.

Hay bastantes desafíos que vienen con trabajar solo con hardware. Uno que a veces puede terminar con bastante kit y mucho cableado y enrutamiento que esencialmente podrían hacerse en un ordenador o un iPad. La mezcla hacia abajo, por ejemplo, con hardware y muchas fuentes de sonido diferentes puede ser más difícil lograr una buena mezcla, especialmente si está utilizando algunos elementos crudos retorcidos como sintetizadores modulares que tienen altas ganancias y cortan y luego se mezclan con muestras que provienen de, digamos, el Octatrack u otro sampler. Con un DAW puede aplicar fácilmente un compresor de bus Master sin peso o costo adicional, pero en hardware que significa llevar otra pieza de equipo potencialmente costoso, más cableado y más enrutamiento. El transporte también es difícil, ¡respeto masivamente a todos los artistas en vivo de gira por ahí! ¡Es mucho esfuerzo! Uno

Lo último que acabo de ver es una publicación de Jako Jako, que es una productora increíble y artista en vivo, tuvo un fallo de hardware crítico aquí y tuvo que cancelar su concierto. Eso es increíblemente frustrante y la primera pesadilla de cada artista en vivo, algunas partes del kit no se puede respaldar ninguno de los contenidos y no son fáciles de conseguir si uno falla. Supongo que esto hace que las cosas sean mucho más divertidas e involucradas, es realmente satisfactorio cuando todo se junta. ¡Hace que valga la pena al final!

Mencionaste que cada pista es una marca de tiempo de una noche diferente, ¿cómo abordaste la selección de qué noches y grabaciones presentar?

Revisé mis grabaciones favoritas y elegí mis propias partes favoritas de las que tenía recuerdos claros. También seleccioné algunos que mis amigos cercanos han sacado como recuerdos que tenían de mis sets. Fue bastante sencillo, creo que elegí demasiados, pero tenía más para empezar.

Hay mucho caos en las texturas que construyes. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre el control y la rendición en el escenario?

Creo que la tensión entre el caos y el control es la esencia de la actuación en vivo para mí. Construyo la configuración para darme el mayor control táctil posible, todo está posicionado con intención. Esa es la parte del control. Pero una vez que estás en el escenario, el entorno en sí, el sistema de sonido, la multitud, la energía en la habitación a veces pueden ser hostiles en términos de temperatura, humedad, etc., este tipo te obliga a rendirte un poco. Las cosas se comportan de manera diferente en el momento. Los sonidos sangran, los elementos chocan de maneras que no predijiste, en estos momentos simplemente dejar ir dejando que el caos respire junto con el entorno. Creo que mis mejores conjuntos han venido de momentos en los que dejé de tratar de hacerlo perfecto y solo me comprometí con el momento, los defectos y todo.

El sonido tiene un peso y físico. ¿Cómo afectan los diferentes sistemas de sonido o la acústica del club a tus sets en vivo?

Creo que, dada su naturaleza bastante cruda, puede encajar estéticamente tanto en sistemas realmente definidos como en sistemas que son bastante sueltos en la naturaleza. La imagen estéreo puede ser un problema, a veces puede ser difícil de traducir, ya que a veces es tan amplia. Una cosa, sin embargo, si un sistema tiene mucho espacio para la cabeza, realmente puedo experimentar con la gama baja empujando más ciertas frecuencias, ¡esto puede ser muy divertido y abrir nuevas posibilidades!

¿Qué llevó a la creación de Severn Electronics y cómo refleja su visión más allá de este LP?

Creo que fue por necesidad para mí, para ser honesto, parte de encontrar mi identidad sónica o tal vez simplemente perfeccionarla. Sabía lo que quería decir musicalmente, pero realmente no sentía que tuviera ningún lugar donde pudiera expresarlo. La mayoría de las veces, realmente no escribo música con la pista de baile en mente, si funciona en el suelo, entonces genial, pero la mayoría de las veces se trata más del mensaje en la música para mí. ¿Qué quiero decir sónicamente? ¿Qué quiero decir con la obra de arte, el mensaje y el concepto que conoces? Es en gran medida un proyecto de autoexpresión en el que tejo mis intereses personales en ciertos temas con mi música, es puramente una forma de expresarme y liberar esa energía creativa. Gran parte de mi música es más música para escuchar, pero

Para mi sorpresa, bastantes artistas han tocado mi música en clubes como Tresor, Berghain y Womb, que cuando descubrí que era una experiencia extremadamente satisfactoria y validadora, fue un impulso de confianza de que no siempre tienes que apuntar a la forma funcional de la música de baile para que la gente la toque. Si toca a la gente, pueden encontrar una manera de hacer que funcione (dentro de lo razonable, por supuesto). Dicho esto, creo que estoy encontrando la confianza y el término medio para experimentar tanto con la escucha como con algunas cosas más de club. Tengo planes de lanzar otros artistas con los mismos conceptos en mente, una mezcla de música de escucha que tiene un mensaje que el artista quiere expresar y algo de música que se puede reproducir en un entorno de club, pero que conlleva algunos más riesgos que una pista que está dirigida únicamente a la pista de bailarines. Así que más allá de este LP, continuaré con la idea de expresarme a mí mismo y a mis intereses y liberar a otros artistas que compartan esa misma filosofía y, con suerte, construiré una discografía de música realmente agradable que se pueda escuchar en entornos distintos al club. Incluso tengo algunas visiones de que algún día se convierta en un colectivo, ¡pero quién sabe! Estoy muy emocionado por ello.

Finalmente, ¿cuál es una lección o realización que has adquirido durante este ciclo de seis años de experimentación en vivo?

Creo que una de las principales cosas que he aprendido es que más limpio o más definido no siempre es mejor. Si eso tiene sentido. La música para mí es general, es una experiencia muy emotiva y creo que la música de baile y más techno en sus primeros días era tan cruda, especialmente debido a las herramientas disponibles en ese momento. Me he dado cuenta de que hay espacio para ese poder y caos crudos, indefinidos, a veces incontrolados que pueden tocar emocionalmente a las personas. Siento que la multitud puede sentir esta crudeza de los sets en vivo de una manera diferente a los sets de DJ y creo que es bueno mantenerlo vivo. Otra realización que he tenido es que no hay un objetivo final, solo seguir evolucionando.

ÁLBUM COMPLETO:

Una perilla por función (cortes en vivo) – SELP001

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